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Lanzamiento del documental sobre el "Fondo Uruguay Saludable e inclusivo" del MSP-PPENT

Etiquetas: [documental]  [documental FUSIPPENTMSP]  [hachaytiza en rodaje]  [hachaytiza sin nadie en el medio]  
Fecha Publicación: 2014-09-01T20:03:00.000-03:00

Este viernes 5 de setiembre, en el salón de actos de la Comisión Honoraria para la Lucha antituberculosa (Av. 18 de Julio 2175), el Ministerio de Salud Pública a través de la Dirección General de la Salud y del Programa de Prevención de Enfermedades Crónicas No Transmisibles (PPENT), llevará adelante el lanzamiento del documental del "Fondo Uruguay Saludable e Inclusivo".

Este documental, del que en una entrada anterior ya les adelantáramos algunos fotogramas, comparte algunas de las experiencias desarrolladas por organizaciones de la sociedad civil que presentaron sus propuestas al FUSI-PPENT, y fueron seleccionadas a través de concursos públicos.

Esta iniciativa, que impulsa el desarrollo de proyectos locales de Promoción de estilos y entornos de vida saludables, fue lanzada en el mes de setiembre de 2009.

En el lanzamiento estarán presentes la Ministra de Salud Pública Dra. Susana Muñiz, y las organizaciones de la sociedad civil participantes del proyecto.


Recibimos y publicamos: Festival de Cine LASA 2015. San Juan - Puerto Rico, 2015

Etiquetas: [LASA2015]  [RECIBIMOS Y PUBLICAMOS CONVOCATORIAS]  
Fecha Publicación: 2014-08-29T14:14:00.001-03:00

La Asociación de Estudios Latinoamericanos (LASA: Latin American Studies Association) nuclea a individuos e instituciones de todo el mundo dedicados al estudio de Latinoamérica en todas las disciplinas y actividades profesionales.

El Festival de Cine de LASA se realiza simultáneamente con los Congresos de LASA, los días 27 al 30 de mayo de 2015 en San José de Puerto Rico.

Se especializa en materiales audiovisuales vinculados a Latinoamérica en todos sus aspectos, y las películas a presentarse provienen de todas partes del mundo, y tienen en común justamente la temática latinoamericana, asignando especial atención al género documental.

Recepción de propuestas: 1º de setiembre al 1º de diciembre de 2014
http://lasa.international.pitt.edu 

Los criterios de selección son excelencia artística, técnica y cinematográfica, contribución a temáticas latinoamericanas, y relacionadas a temas del congreso.
Compiten por el "Premio al mérito cinematográfico LASA 2015" 
Se dará especial atención a películas realizadas después de enero 2014 y a ser estrenadas en LASA 2015.
La selección se dará a conocer antes del 15 de abril de 2015.

Bases y formulario de inscripción aquí 

Ante la muerte de Manuel Martínez Carril, la mirada de Raúl Ferreiro

Etiquetas: [Cinemateca Uruguaya]  [Murió Manuel Martínez Carril]  
Fecha Publicación: 2014-08-20T11:12:00.001-03:00

Estudio Uno para Poema/Addio

en recuerdo de Manuel M. C.
labrador en la preservación de almas

-Penúltima escena-
(Pantalla en blanco por entre el humo de un cigarro.
Una sala,
 butacas vacías con algunas iniciales:
H. A. T.- O. I. -
R. M. –
J. P. R.
Y otras tantas más…)

Grávida, bella y nunca dócil,
cierta urdimbre, la tela tensa,
otro mundo, el mismo.

Estática/Silencio sin créditos

Movimiento.

Ahora sí. La manito extendida de Jackie Coogan acaricia la de quien lleva una linterna acomodándose los nuevos viejos lentes.

 Voz en off:

-Dale, Manolo!
Apurate! Mirá que de este otro lado también tenemos que seguir en la boletería,
marcar tarjetas, vocear por parlantes,
continuar barriendo
y aún reparar aquel vidrio roto.

Suspendida, la fina luz ha entrado.

Aquí la oscuridad
-mero revés de eternidad-
ha estado siempre encendida.

                                                       To be continued

Montevideo, Agosto de 2014,
bajo los reflectores y a la manera de “Fucho” M.
y el imposible de no quererlos a todos en el nombre de
Philippe N. y su Alfredo en Tornatore Paradiso.
R.H.F.


                   Y este texto para aquella Dama en una de las dimensiones de la Linterna Mágica.

Recibimos y publicamos: TNU convoca a propuesta audiovisual para programa infantil sobre artes plásticas

Etiquetas: [RECIBIMOS Y PUBLICAMOS CONVOCATORIAS]  
Fecha Publicación: 2014-08-18T20:38:00.001-03:00

TNU, con el apoyo del Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV), llama a interesados para la producción de contenidos audiovisuales destinados a público infantil sobre obras pictóricas nacionales.
El objetivo es que, a través del lenguaje audiovisual, se estimule la curiosidad y fantasía que les permita a los niños conocer y valorar su cultura, a la vez que los entretenga.

La convocatoria es para la realización de un ciclo de 9 programas unitarios, que serán emitidos por televisión, internet y redes sociales, destinados a niños (en sentido genérico) en edad escolar. Cada programa tratará sobre un cuadro de un listado de obras del MNAV.

La convocatoria está abierta hasta el 19 de setiembre.
Para obtener las bases, ficha de inscripción y listado de obras pictóricas, entrar al MEC 

Manuel Martínez Carril por Carlos Rehermann en Henciclopedia

Etiquetas: [Cinemateca Uruguaya]  [Murió Manuel Martínez Carril]  
Fecha Publicación: 2014-08-15T15:55:00.002-03:00

Transcribimos este excelente artículo de Reherman, y de paso -a quienes no conozcan- los invitamos a conocer el espacio cultural de HENCICLOPEDIA.


LA CULTURA COMO CONFRONTACIÓN.
Carlos Rehermann. Henciclopedia

Manuel Martínez Carril, tesoro nacional
Circula en el planeta la especie (que no llega a ser idea) de que las naciones deben procurar aumentar su riqueza simbólica. A ese clon tarado de la riqueza de Adam Smith se le llama "patrimonio cultural de la Nación". En algunos obituarios aparecidos tras la muerte de Manuel Martínez Carril se menciona el archivo de la Cinemateca uruguaya como un patrimonio construido por esa institución, para beneficio de todos. Queda la horrible sensación de que lo que hizo Martínez Carril fue acumular un montón de chatarra fílmica. Pero eso no es riqueza. El tesoro nacional era Martínez Carril, y ya no está. Y probablemente sea imposible que encontremos un tesoro como ése en medio siglo, o en uno.

Una construcción  publicitaria
Uno de los asuntos que se mencionó en algunos obituarios fue el carácter colectivo del trabajo en la cinemateca, citando con frecuencia al propio Martínez Carril, que evitó siempre ser identificado con la jefatura de la institución.
El cine, como se sabe, se hace necesariamente en equipo. El símil con el trabajo de la cinemateca es admisible, pero el trabajo colectivo en la cinemateca era de un tipo parecido al que podría observarse en la realización de una película dirigida por Stanley Kubrick. Amablemente el director escucha, pregunta, consulta, y finalmente se hace lo que él decide.
Manuel (como Kubrick) se rodeó de técnicos notables, sin los cuales su trabajo habría sido
imposible. Lo cierto es que en la Cinemateca era frecuente que las decisiones difícilesaparecieran tomadas en el transcurso de la noche, lo cual no era un problema para nadie. Todos quienes trabajamos con Martínez Carril aceptábamos que sabía más, conocía a más gente clave y recibía más información sensible que cualquiera de nosotros. Las decisiones a las que dedicaba su mayor atención tenían que ver con inversiones, administración de la deuda, alianzas estratégicas y campañas publicitarias. Otras decisiones ocupaban tiempo lateral (problemas de personal, de mantenimiento, de programación o de plomería), aunque a veces, de manera irritante para los encargados de las diversas áreas, resolvía asuntos como cada cuánto tiempo hay que tirar lejía en los retretes o qué tipo de letra hay que usar en el cuerpo de textos del boletín.

La idea de patrimonio estuvo siempre en la base de la justificación de la existencia de la cinemateca. El archivo, que contiene miles de títulos, es lo que, a los ojos de la comunidad nacional (no tanto de la internacional), legitima la institución. Pero en realidad el archivo no es tan valioso, si no se toma en cuenta la colección de películas uruguayas. Miles de los títulos conservados son películas de escaso valor, de las que existen copias de mejor calidad en varios archivos del mundo. Muchas otras están en malas condiciones de conservación, no necesariamente porque la Cinemateca las haya descuidado, sino porque, por diversos motivos, entraron ya enfermas al archivo. Una gran cantidad de títulos son producciones propagandísticas de diversos gobiernos, especialmente del antiguo bloque socialista, de nulo valor artístico aunque quizá con algún valor documental. Otras están incompletas.
Pero la idea de que el Uruguay tiene un gran patrimonio fílmico (¡somos ricos, ricos!) fue central para la construcción del prestigio de la Cinemateca. Somos poco afectos a proteger una actividad, pero nos encanta cuidar un tesoro.
Esa mentalidad dominante en la sociedad uruguaya estaba muy clara para Martínez Carril, que la explotó a lo largo de décadas. Pero muchas veces, después de una jornada de trabajo desgastante, fumando su quincuagésimo sexto cigarrillo superlargo, insistía en que "Cinemateca no es nada; Cinemateca es una construcción publicitaria".
Una pieza clave de publicidad, que funcionaba tanto para el público nacional como para los expertos extranjeros, era —y sigue siendo, después de varios cambios de formato— el boletín que difunde el programa mensual de la institución. Comenzó, en enero de 1975, como una hoja de 27 por 38 centímetros donde se anunciaban, en sus dos caras, decenas de películas que se exhibían a lo largo de un mes, y terminó creciendo, 10 años después, hasta unos monstruosos 44 por 56 centímetros, donde se acomodaban con dificultad hasta 150 títulos exhibidos cada mes. Desde entonces se imprime en forma de cuadernillo.

Quienes se acercaban a la institución quedaban impactados por el boletín, que les ofrecía una diversidad diaria que apenas se podía abarcar, y que llegó a hacerse casi irritante por el exceso de oferta. Para algunos socios la situación era insostenible, ya que creaba la sensación de que la vida era demasiado breve. El exceso de oferta estaba permitido en parte por el tamaño del archivo, pero principalmente por la capacidad de gestión de Martínez Carril para convencer a los casi siempre abúlicos agregados culturales de las legaciones extranjeras de financiar ciclos de toda clase. Estrictamente no era necesario exhibir tantas películas, que en realidad nadie podía ver. Pero ese exceso era esencial para construir la idea de una institución poderosísima, inagotable, de una sapiencia inconmensurable, con una energía inhumana, un Museo Británico más el Louvre más el Prado, interminable, inaprehensible objeto de deseo de una comunidad ávida por saber, enterarse y ser más libre. Algo cercano a los dioses, más fuerte aun que los dioses, porque la cinemateca era atea y en sus pantallas se apagaban todos los dioses del mundo.
En el extranjero, el boletín interminable era de un impacto difícil de describir. Los expertos de los archivos tienen una imagen mental de lo que son las cinematecas del mundo: cámaras que conservan en la oscuridad helada de una atmósfera seca miles de títulos valiosos de los cuales se exhiben 10 o 15 por mes. Los boletines de esos archivos son unos folletitos escuetos, a los que unos pocos cinéfilos les prestan una fracción de su atención.
Cuando uno de estos expertos veía el boletín de la cinemateca uruguaya quedaba literalmente anonadado por la abrumadora imagen mental que proyectaba.

La gente
Martínez Carril venía de la radio. Había sido locutor y redactor de informativos. Fue compañero de trabajo de Zitarrosa, por ejemplo, cuando el cantor también era locutor. Su ambiente profesional era el de la redacción periodística, que si bien en los diarios se limitaba a las páginas de espectáculos, en la radio abarcaba todo el itinerario de un noticiero clásico. Estudió abogacía unos pocos años, durante los cuales se formó en la escritura periodística, escribiendo notas para medios estudiantiles y universitarios.
La publicidad (las expresiones "comunicación" y "ciencias de la comunicación" para referirse a los oficios periodísticos le provocaban comentarios sardónicos) era central para Martínez Carril, y de hecho uno puede observar el curso histórico de la institución siguiendo el curso de sus estrategias de propaganda. La idea era llegar al mayor número posible de gente, pero de manera legítima. Esto significa: que quienes financian la institución sean sus usuarios.
Estaba en radical desacuerdo con los convenios que hacía Socio Espectacular con sindicatos o con empresas que asocian de manera compulsiva a sus afiliados. Si todos los maestros y profesores (que tienen una tarjeta que les permite entrar gratis o a precios muy bajos a ciertos espectáculos) efectivamente la usaran, el sistema caería por sobredemanda.
Las afiliaciones masivas se basan en que la gente no use el servicio por el que paga. Para Martínez Carril esto era de una inmoralidad inaceptable. Esa estrategia requiere que las instituciones no hagan ningún esfuerzo para que más gente vaya a los espectáculos, sino que más gente se afilie, y si desconoce que está siendo afiliada por una autoridad que maneja sus cuentas, bueno, no hay por qué hacer mucho alboroto.
Sistemas de subsidio como el que la Intendencia de Montevideo hace con su tarjeta Montevideo Libre, que permite que los estudiantes de secundaria entren gratis a una serie de espectáculos, generan un perjuicio directo a grupos independientes que no reciben ningún ingreso porque quedan fuera del sistema debido a su escasa capacidad de negociación. El sistema se basa en otorgar dinero a grandes instituciones, capaces de llegadas relativamente masivas (aunque con más frecuencia simplemente con más capacidad de negociación, o sencillamente de presión sobre las instituciones financiadoras) y nada de dinero a los pequeños grupos independientes. Se trata de sistemas que favorecen el crecimiento de estructuras grandes y pesadas en detrimento de pequeños emprendimientos independientes.
Para Martínez Carril, lo ideal era que todos los socios de la cinemateca fueran a las funciones que ofrecía. En la institución siempre hubo lugar físico y espacio de programación para todos los socios, y la tasa de uso era enormemente superior a la de otros sistemas de afiliación. Pero empresas como Socio Espectacular, bien administradas y con una gran capacidad de negociación ante gremios y asociaciones, forzaron a Cinemateca a ir en contra de esa concepción básica que estaba estrechamente ligada al rol formativo de la institución: estimular el desarrollo de la capacidad crítica de la gente, como espectadores y como ciudadanos.

Así, las campañas de la cinemateca tendían a generar adhesión consciente y firme, e incluso la mala calidad de las butacas, del sonido y de la imagen tenía un sentido. Una persona que se interesa por la esponjosidad de una butaca es un socio débilmente adherido a la institución. Ser pobres de objetos materiales pero muy ricos de sustancia espiritual: eso era lo que trasmitía la cinemateca (aunque a veces en forma un poco extrema). Sin embargo, esa especie de asignación de clase funcionó de manera excelente durante la década de 1970, cuando la institución creció enormemente.
Dos décadas, desde 1975, durante las que se crearon dos escuelas de cine y se produjeron largometrajes (el que sobrevivió fue Mataron a Venancio Flores; por los negativos de otro habría que preguntarle a quien se hizo responsable de eso en aquellos años, y los perdió en España), se creó una biblioteca, se construyó el archivo (único predio y edificios que son propiedad de la cinemateca) y se produjo un recambio constante de salas que marcaron una etapa muy dinámica de la institución. Al final de ese período se creó la escuela de cine que hoy sigue en funcionamiento, después de haber mantenido cursos de todo tipo, incluyendo unos masivos cursos de cine para niños y jóvenes de gran impacto en la generación de públicos y artistas de la imagen. Revistas, libros, colecciones de videos, un video club, salas de exposiciones de artes, recitales, congresos, festivales, seminarios de todo pelo, intercambios internacionales con figuras de importancia mundial, y hasta un congreso de la Federación Internacional de Archivos de Filmes construyeron una avasallante corriente de producción de acontecimientos culturales que convirtieron a la Cinemateca en la institución cultural más importante e influyente de toda la historia del país.
Y todo esto ocurrió porque Manuel Martínez Carril tenía una visión del mundo que se basaba en la confrontación. Y para esa concepción, el enemigo pequeño genera avances pequeños, y el enemigo grande genera avances grandes. O la muerte.

Un mundo de enemigos
Para Martínez Carril las personas que están a cargo de instituciones, gobiernos o empresas de cualquier tipo tienen una estrategia clara, unos objetivos precisos y operan con una única meta: tomar el control del mundo mediante la absorción o la eliminación del resto, que siempre pueden ser competencia. Así se movía en su diseño de estrategias interinstitucionales. Armaba agendas con aliados circunstanciales por dos motivos: para evitar que esos aliados fueran enemigos, para vigilarlos de cerca y conocer a fondo su funcionamiento y sus intenciones, y para eliminar competencia con la que no podía, por diversas causas, aliarse en ese momento. Operaba del mismo modo que un ejecutivo de una trasnacional cuyo trabajo es rediseñar constantemente el mapa del ecosistema empresarial, creando, eliminando, modificando o robando nichos.
El momento más favorable para la institución fue el período de construcción de su imagen de articulador de la cultura independiente y opositora a la dictadura, que ocurrió hacia fines de la década de 1970 y durante toda la década de 1980. El conflicto central era digno de su energía y su habilidad para la pelea: suponía una lucha contra la dictadura. Los enemigos, en esa circunstancia, eran, además del gobierno autoritario, los exhibidores comerciales, aliados con el capital imperialista y la derecha internacional, lo cual era bastante cercano a la verdad, aunque si los exhibidores hubieran contado con guerrilleros cubanos para liquidar a Manuel se habrían aliado con ellos, porque es verdad que la cinemateca fue una seria competencia para el cine comercial.
La red de contactos de Martínez Carril incluía personal de embajadas, empleados de empresas privadas de todo pelo y funcionarios gubernamentales, que le suministraban con frecuencia información sensible. Siempre estaba enterado de todo, antes que nadie. Nunca fue sorprendido por acciones inesperadas, incluso cuando, por lo menos en dos oportunidades desde dentro de la institución hubo intentos para dejarlo afuera de su gobierno. Era evidente que disponía de una serie de contactos de enorme calidad, de los cuales la mayor parte de quienes trabajaban con él nada sabían con certeza.
La dictadura fue la situación ideal para su concepción de conflicto permanente y universal. Todo el mundo estaba en contra de la dictadura, o por lo menos todo el mundo con cierta decencia y capacidad de raciocinio. Todo el mundo estaba a favor de la libertad y la cultura. La cinemateca podía tomar la bandera de la libertad y de la cultura, porque el cine es (y en el mundo de los años 1970 era especialmente) un enorme espacio de libertad.
Martínez Carril simbolizaba esa libertad con abundancia de fotos de perfil erótico. Sus ilustraciones preferidas para el boletín mensual siempre fueron desnudos, incluso si  representaban excepciones en las tomas de una película. Las apelaciones eran a la libertad y el cuestionamiento del statu quo. La cinemateca estaba por toda la ciudad y daba películas de todo tipo. La imprenta de Manuel Flores Silva imprimía la gran hoja que Manuel Martínez Carril llenaba de películas, y en las salas uno podía retirar unas hojas mimeografiadas con información y críticas de lo que había visto. Información, formación, complicidad en la lucha por la libertad. La pregunta idiota de Stanley Cavell ("¿El cine puede hacernos mejores?") se contestaba sola. Gracias a la cinemateca teníamos un espacio de libertad y de esperanza. Y toneladas de cultura. Éramos muchísimo mejores. Mejores que antes, y mejores que ellos. La cinemateca era casi el único nosotros que quedaba en el país en los años 1970.
Con otras instituciones se articularon espacios aun más complejos: el Club de grabado, el teatro Circular y la editorial Banda Oriental, que se apoyaron en la energía que trasmitía Martínez Carril y en su convicción acerca de los beneficios que suponía la asociación. No había, en ese momento, enemigos entre las instituciones independientes. El único enemigo era el gobierno, las fuerzas represivas, la oscuridad tenebrosa de la realidad cotidiana. El olor rancio de las salas de la cinemateca era como el aire fresco de una noche al borde del mar, y cuanto más abstrusa la película, cuanto más oscura y hablada en georgiano con subtítulos en ruso y traducción simultánea por parlantes rasposos, más amplio se abría el horizonte que la institución nos regalaba mientras un resorte de la butaca se nos clavaba en el omóplato.   
Pero pocos años después de la desaparición de la satrapía dictatorial, el mundo se pobló de nuevos enemigos y de incontables amenazas difusas, y la gente comenzó a alejarse.

Una serie interminable de eventos
La palabra "evento" le provocaba una alergia inmediata. Si alguien la pronunciaba estaba sentenciado. "Evento" hablaba, para Martínez Carril, de una cultura oportunista, efímera, espectacular y sin contenido sostenible. Más o menos esto a lo que hemos llegado hoy, luego de mucho esfuerzo y con gran fanfarria. Y sin embargo, lo mismo que había ocurrido con los sistemas de afiliación masiva, finalmente la institución cedió (o no pudo contener) a la cultura del evento, y la única manera de seguir manteniendo la dinámica basada en la publicidad fue la de organizar una sucesión interminable de eventos: los festivales.
Festival internacional, festival infantil, festival de invierno. La institución que crecía en los 1970 y 1980 ya no podía sostener la utopía del crecimiento infinito. ¿Hasta dónde va a crecer? Ya no era noticia una nueva sala o un nuevo departamento. Ya no estamos peleando por la libertad. La Cinemateca ya tenía revista, editorial, escuela, video club, ya había sufrido la pesadilla de producir un largo y tener columnas en todos los semanarios. ¿Qué puede ser nuevo siempre? Un  festival, y cuando termina ése, otro, y otro y otro y de nuevo el primero y el otro y el otro. El Siglo XXI fue una cadena de festivales que es lo que hoy mantiene a la Cinemateca como fuente de noticias, aunque con un grado de impacto decreciente.
Lo que hizo la Cinemateca es lo que sigue haciendo: informar, orientar, exhibir, mostrar lo que hay para ver en el mundo. Que el mundo sea un poco más idiota cada día no es culpa de la Cinemateca; que la libertad tan añorada fuera esta sopa aguada de diversidad pacata, tampoco.

Manuel Martínez Carril venció a los bárbaros, quedó sin enemigos, y entonces perdió. ¿Para qué seguir viviendo?

Recibimos y publicamos: Convocatoria a fondos para el audiovisual

Etiquetas: [RECIBIMOS Y PUBLICAMOS CONVOCATORIAS]  
Fecha Publicación: 2014-08-07T18:54:00.001-03:00

Desde el 5 de agosto al 1º de setiembre están abiertas las inscripciones para la presentación de proyectos en ficción o documental.
La convocatoria la realizan MONTEVIDEO FILMA y MONTEVIDEO SOCIO AUDIOVISUAL.

Concursan proyectos que estén en la etapa de inicio de rodaje, hay otra línea para finalización de proyectos, y una nueva: premio a ópera prima.

Para proyectos que hayan iniciado sus rodajes se otorgarán dos apoyos de us$ 35.000 y tres de us$ 10.000.-
En la línea de apoyo a finalización de proyectos, se otorgarán apoyos retornables de hasta us$ 45.000 en largos de ficción, tres apoyos de us$ 25.000 en largos documentales, y un apoyo de us$ 20.000 en proyectos de TV.
En la categoría ópera prima se otorgará un apoyo de us$ 80.000 para largo de ficción, y de us$ 30.000 para largo documental.
Bases y formularios aquí.

Nos encontraremos en los túneles

Etiquetas: [adriana nartallo]  [Cinemateca Uruguaya]  [Murió Manuel Martínez Carril]  
Fecha Publicación: 2014-08-04T16:54:00.000-03:00

por Adriana Nartallo

Después de mis Viejos, buena parte de cómo soy -de mi pasión y mi desgracia, al decir de Onetti- se la debo a Manuel Martínez Carril, a Manolo.

Aún conservo un Cuaderno del Cine Club del Uruguay, fechado en octubre de 1965 -un año antes de que yo naciera- donde se hablaba de cine, y que yo revisaba una y otra vez, y siempre me detenía -maravillada- ante los fotogramas elegidos por un tal M. Martínez Carril para ilustrar su nota “Ingmars Ansikte” sobre el cineasta que mis padres ya mencionaban como el más grande.


Cuando migramos a la capital, devoraba cada hoja mimeografiada con el comentario de una película, cada boletín, hasta que un día, en uno de ellos leí un anuncio que cambiaría mi vida: “Curso de cine para niños y adolescentes”.
Era el año 82. Y yo, que tenía un fácil “no sé”, ese día dije: quiero hacer cine.
Manolo era un tipo hosco, seguramente tímido -aún más con los párvulos- y no olvido el día de su fría reacción en la puerta de Carnelli cuando ganamos el premio en Huelva por “Con la ventana cerrada”; recuerdo con precisión mi sentimiento: Manolo nos estaba dando una lección, no había que creérsela, no teníamos que descansarnos y había que seguir trabajando duro.

Cuando realicé mi primer cortometraje autoral, por así decirlo, quise compartirlo con Manuel, conocer su opinión, y me sorprendió no por sus claras observaciones, sino por su calidez; y en 2005, en un Festival de Invierno como el que se está desarrollando, tuvimos el honor de presentar nuestro primer largometraje documental en Cinemateca, con Manolo abriendo la presentación.
Cuando “Vientos de octubre” y otros documentales uruguayos y latinoamericanos terminaron de exhibirse en el Festival de invierno, nos quedábamos todos indefectiblemente sin sala. Y su permanencia en cartel la inventó Manolo cuando, junto con otro gran impulsor como Antonio Dabezies, crearon un espacio de difusión del cine documental en el Espacio Guambia. Seguramente esa permanencia en el tiempo fue de gran ayuda para más adelante acceder al Complejo Plaza y que “Vientos de octubre” tuviese una exhibición comercial.

La imagen que me queda de Manolo es la del hiperactivo, fumando un cigarro tras otro, yendo y viniendo de una sala a otra por los túneles subterráneos que, según la vieja revista El Dedo, interconectaban las salas…


Manolo ya no estará para cuando -antes que nos lleve el viento- podamos estar exhibiendo en Cinemateca nuestro primer largo de ficción; tampoco estará para cuando algún día hagamos una retrospectiva de nuestros trabajos, y ese día será muy dolorosa la ausencia. Pero de Manolo aprendí a no bajar la guardia, a pelear cuando un sueño se persigue, y a concretarlo.

Las alas del deseo

Etiquetas: [Cinemateca Uruguaya]  [Murió Manuel Martínez Carril]  
Fecha Publicación: 2014-08-04T16:37:00.000-03:00

por Daniel Amorín

Suelo decir que mi vida cambió para siempre la noche en que se apagaron las luces de la vieja sala Estudio 1 en Camacuá, irrumpió la Muerte al amanecer en la playa, y extendió su manto negro hacia el caballero medioeval de pie junto a una inconclusa partida de ajedrez.



Fue el principio de una larga lista de descubrimientos, felicidad y maravilla. De películas, de directores, de actores y actrices, de cinematografías, de épocas, de corrientes.
Es increíble pensar que (casi) todo eso se lo debo -se lo debemos- a un solo hombre: Manuel Martínez Carril.

Para toda una generación es mítico el recuerdo de aquellas colas interminables, que daban vueltas dos esquinas, ante Centrocine, para ver el ciclo de cine español producido en su democracia naciente, y exhibido aquí en nuestra dictadura agonizante.
Para otros tantos es imborrable el recuerdo de aquel festival de cine de 1986, en el que el jurado oficial premió a “Ran” de Kurosawa, al tiempo que el público premiaba “El sacrificio” de Tarkovski.
Para muchos también es conmovedora la evocación de aquellas noches frías de Estudio 1, sala legendaria si la hubo, en la que las colas se ensanchaban más de los que se alargaban, tiesos frente a la rambla, la llovizna en la cara, expectantes ante la película de turno y, a posteriori de ella, remontar la cuesta de Camacuá, callados y cavilosos, apresando aún en la retina la última imagen, los ojos entre cerrados, el viento en la cara.
Cada socio y ex socio de Cinemateca tendrá sus recuerdos pertinaces, sus anécdotas inolvidables.

La imagen de Manolo que elijo retener es una repetida en los festivales de cine de los ’80, en la sala de Carnelli, cuando los empleados no daban abasto para atender el borbollón, y el propio Manolo se ponía a cortar entradas junto a la puerta de la sala, utilizando enteramente una sola mano, porque dos dedos de la otra estaban ocupados en sostener el cigarro.
Y de tantos recuerdos y anécdotas sobre Cinemateca que podría referir, hay una que sobresale del resto. Tiene que ver -cuándo no- con la entrañable sala Estudio 1.

Era la última función de una fría noche de invierno de entre semana. Digamos, 21.15 horas. Daban “La fuente de la doncella” de Ingmar Bergman. Yo ya la había visto al menos un par de veces. Pero me acompañaba un amigo, teatrero, que no la había visto, aunque sí otras del maldito sueco.

Se había producido ya la violación y muerte de la doncella, el destino había querido que los asesinos encontraran refugio para una noche despiadada en casa de los padres de la doncella, ya éstos habían comprendido a qué clase de criminales estaban cobijando, y el padre de la adolescente, Max Von Sydow, preparaba su venganza, cuando, en la sala, la proyección se interrumpió. Tras los espontáneos quejidos de asombro, se encendieron las luces. Éramos pocos. Unas veinte o treinta personas. Y la sala estaba fría. Todos quedamos sentados y en silencio. La experiencia nos decía que tras unos minutos de espera abandonaríamos esta absurda realidad detenida para volver a la otra, plena de drama y acción.

El proyeccionista en persona irrumpió en la sala para anunciar que la función se suspendía: una fatalidad había arruinado el equipo de sonido, y el desperfecto no podría solucionarse hasta el día siguiente. Pero al día siguiente ya no darían esta película, sino otra ya programada. La consternación se dibujó en los rostros de todos los espectadores, pero ante un argumento así no había nada que hacer. Fue entonces que se me ocurrió la idea. Le propuse al proyeccionista por qué no seguir viendo la película sin sonido, si de todos modos tenía subtítulos en español. El técnico miró a todo el público y dijo “si ustedes quieren, no hay problema”. La mayoría asintió y el proyeccionista volvió a su puesto. Nadie se movió de la sala. Las luces volvieron a apagarse y el rostro adusto de Max Von Sydow ocupó enteramente la pantalla.

Cuando tras despachar a los dos asesinos, Max, aún sediento de venganza, levanta en vilo al niño que los acompañaba, cuando con sus brazos extendidos lo mantiene en el aire a más de dos metros de altura, cuando duda mientras su esposa -a quien los espectadores de esa función no oímos pero sí vemos- le ruega que se detenga, que no acometa contra un niño, y cuando finalmente el protagonista lo lanza con violencia, estrellándole contra la pared de piedra, cuando ocurre eso en la sala muda, se oye el grito ahogado de una espectadora, y las inevitables risas apagadas de otros espectadores, igualmente conmovidos por la escena.
No se escuchó nada más durante el resto de la proyección. La película terminó, las luces se encendieron como siempre, y los espectadores nos retiramos como siempre, con un reinante silencio interrumpido ocasionalmente por algún “qué notable” referido al film, o algún “qué horrible” referido al drama humano que acabábamos de presenciar.
Es posible que alguno de esos espectadores haya recordado, como yo, la orden de René Clair: “el cine debe estar hecho para que un sordo lo pueda entender”. Y aún más posible que quienes no conocieran el aserto, hayan llegado, con otras palabras, a la misma conclusión.

Es obvio que mi gratitud y deuda con Manolo es eterna e incuantificable. Por eso, para este último viaje que acaba de emprender, le deseo: que lo inicie con la fanfarria de Fellini, que fume por siempre los cigarrillos de Cassavetes, que lo custodien los ejércitos de Kurosawa, que el camino esté orlado por los decorados de Visconti, que Chaplin lo guíe en los caminos más peligrosos, que Resnais le ayude a recorrer los vericuetos de la memoria, que junto a Losey detecte a tiempo la intrínseca maldad que nos rodea, que levite como los seres tocados por la magia de Tarkovski, y que, en cada instante, encuentre a su lado la mano tendida de Ingmar Bergman.

La eternidad y un día.

Etiquetas: [Cinemateca Uruguaya]  [Murió Manuel Martínez Carril]  
Fecha Publicación: 2014-08-04T00:07:00.000-03:00

Ante la muerte de Manuel Martínez Carril.

En el día de hoy, Manuel Martínez Carril abandonó para siempre el mundo conocido.
Martínez Carril -Manuel o Manolo para quienes lo conocimos- fue el director de Cinemateca Uruguaya desde 1978 y hasta que su salud se lo permitió. Pero hasta hoy mismo, y quizá por siempre, ha sido su guía espiritual.


A aquellos que por razones de juventud puedan pensar que la Cinemateca es solamente un lugar en que se exhiben películas con peor calidad de imagen y sonido que en las salas de los shoppings, con butacas mayoritariamente en mal estado, y en donde no es posible adquirir pop acaramelado, a esos hipotéticos lectores, queremos pedirles el esfuerzo de que imaginen por un momento un mundo sin video clubes, sin televisión cable y sin internet.
Ese mundo inverosímil fue el mundo real hasta hace no mucho. En ese mundo, el cine se consumía exclusivamente en las salas, y salvo extrañísimas excepciones, todas las películas que en ellas se exhibían procedían de la industria norteamericana.
En ese mundo limitadísimo -¿tal vez casi tanto como el actual?-, Cinemateca Uruguaya fue el único reducto que nos permitió conocer otras formas de expresión cinematográfica, otros modos de ver el mundo, otras maneras de pensar. Y esas formas plurales provenían de los países más insospechados.
Desconocemos si el sentido de la vida para Manolo fue más amplio que los metros cuadrados de las salas de Cinemateca Uruguaya y de su milagroso archivo cinematográfico. En todo caso, la tarea que se auto impuso en esa su trinchera fue de una magnitud inconmensurable, a pesar de lo cual fue capaz de abarcarla desde todas las aristas imaginables.
A la Cinemateca de Manolo le tocó, entre otras suertes, lidiar con la dictadura militar. En esos años de miradas esquivas y palabras a medias, Cinemateca fue el bastión democrático por antonomasia. Sus ciclos de cinematografías lejanas ofrecían permanentes guiños sobre realidades no tan distantes a espectadores más atentos y perspicaces que los censores de turno.
Pero a pesar de que la sobrevivencia en tiempos de dictadura hubiese sido casi imposible sin la presencia de Cinemateca, limitar su importancia y su radio de acción exclusivamente a su condición de bastión democrático, sería prueba de gran ignorancia.
Al menos nosotros podemos asegurar que no hubo institución que haya influido tanto en nuestras vidas, en ser quienes somos, como Cinemateca. Y si esa influencia se la debemos a una persona por sobre todas las demás, es a Manuel Martínez Carril. Nos consta que no somos los únicos en sentir hondamente esa deuda. Nos consta que no somos los únicos que se consideran privilegiados por haber sido formados y guiados gracias a este fenómeno social y cultural.
Es común en estos casos decir que sólo se ha muerto el hombre, que su recuerdo y su obra perdurarán bastante más que sus huesos. Creemos de verdad que será así en el caso de Manolo. Sin embargo, resulta inevitable sentir que, de ahora en adelante, cuando naveguemos como tantas veces en la más profunda oscuridad, ya no podremos contar con el faro más alto y brillante que conocieron estas empobrecidas costas en las últimas décadas.
No tenemos la fortuna de contar con báculos de carácter religioso o de ninguna otra especie. No creemos que nadie tenga el derecho a pedir, ni mucho menos a quién dirigirse para hacerlo.
Pero si en este momento se nos concediera la merced de pedir algo para Manolo, pediríamos, para él, “la eternidad y un día”. En lo que a nosotros, humildes mortales, nos concierne, ya le fue concedida, desde hace mucho y para siempre.

Adriana Nartallo – Daniel Amorín
PRODUCCIONES DE HACHAYTIZA





16º Festival de cine de Invierno en Cinemateca. Recomendaciones para ver.

Etiquetas: [16 Festival de Invierno]  [Cinemateca Uruguaya]  [películas para ver]  
Fecha Publicación: 2014-08-02T18:19:00.002-03:00

Hoy, sábado 2 de agosto, nuestro primer día de Festival pese a que inició el 31, las opciones que tenemos son:

17.50 - Sala Dos
La repiten el lunes a las 17.35 en Sala Cinemateca
LA ÚLTIMA PELÍCULA. Canadá, México, Filipinas, 2013
Directores: Raya Martin (filipino) y Mark Peranson (canadiense).
"Una suerte de manifiesto descreído, anticultural, divertido y ácido sobre el cine como actividad que se desinstala y se desintegra, y en cualquier caso sale de cauce de los marcos tradicionales".

Más datos sobre este film: LEEDOR.COM que la recomienda 



Sábado 2, C18, 21.20
Martes 5, 19.15 en Sala Cinemateca
MATAR A UN HOMBRE. Chile, 2013. Alejandro Fernándeza Almendras
En el último festival vimos algunos films chilenos interesantes.
Un hombre es asaltado, su hijo decide hacer frente al delincuente, y esa acción desencadena un mecanismo
de violencias recíprocas. Un thriller basado en hechos reales, con una entrelínea reflexiva sobre la  inseguridad y la justicia por mano propia.



Sábado 2, Pocitos 18.10
Domingo 3, Sala 2,a las 21.05
EL FUTURO. España, 2013. Luis López Carrasco
Según uno de los comentarios publicados en la web, se dice que se trata de "una de las mejores películas españolas de los últimos treinta años"; "la primera película que mira a los treinta años de democracia desde una postura nada complaciente, mezclando la crítica con la fascinación, la duda con la empatía, la impostura histórica con la ficción psicodélica".
Un grupo de jóvenes bailan y beben en una casa. El PSOE de Felipe González ganó las elecciones de 1982, el fantasma del fallido golpe del 23 de febrero es solo un recuerdo, y el futuro de España parece luminoso. Sin embargo hay discordancias que hacen dudar sobre el futuro. Debut en solitario del López Carrasco, miembro del colectivo Los Hijos.

Otros films que pueden tener algún punto de interés:
El documental EDIFICIO ESPAÑA, para los que conocen Madrid, sobre un emblemático edificio que fue reacondicionado.
Link a comentarios del director.

Sábado 2, 19.30, Pocitos
Miércoles 6, 19.15. SC
EVERYONE IS GOING TO DIEReino Unido, 2013. Dir: Jones Collective. 



Sábado 2, 19.30. C18
UN LUGAR PARA EL AMOR.  Estados Unidos, 2013. Dir: Josh Boone



Un novelista que aún no ha superado que su mujer lo abandonara tres años antes, Sus relaciones con sus hijos, y los romances de estos con terceras y cuartos. Un entretejido de vínculos sentimentales que podría derivar en la facilidad pero que un director sensible y un buen elenco defienden.

Sábado 2 de agosto, Pocitos, 21.05
Domingo 3, SC, 20.55
MIRACLE. Eslovaquia/República Checa, 2013. Dir: Juraj Lehotsky. 



Una adolescente embarazada está dispuesta a prostituirse para ayudar a su novio, enredado en drogas. Hay una real madurez en este drama con puntas de “atención social”, respaldado por una estética que se ajusta como un guante a un tema donde la oscuridad 
es una opción expresiva.

Martes 5, C18, 21.10
CROSSROADS. Turquía/Bosnia/Herzegovina, 2013. Dir: Faysal Soysal
Huyendo de una tragedia pasada, un joven poeta turco viaja a Bosnia como voluntario en trabajos de posguerra. Una psicóloga se cruza en su camino. Su relación conoce varios giros entre Bosnia y Turquía, entre la necesidad de encarar el presente y hacer frente a
algunos fantasmas del pasado. Debut como director del poeta Soysal.



Paralelamente, el Festival propone una muestra retrospectiva del cine alemán actual, que obviamente no llega jamás a la cartelera de cine comercial, así como una muestra especialmente dedicada al cineasta alemán Christian Petzold.

Domingo 3, C18, 19.30
Martes 5, S2, 21.10
MAHLER SOBRE EL DIVÁN. Alemania, 2010. Dir: Felix O. Adlon, Percy Adlon. 
Por si vale la pena el dato, uno de los directores -Percy- es el mismo que dirigió la famosa Bagdad Café: un film que también tenía un componente musical interesante.
La infidelidad de su esposa con el arquitecto Walter Gropius obliga a Gustav Mahler a iniciar una terapia con Sigmund Freud. Los Adlon envuelven su psicoanálisis del artista en un estilo visual casi experimental,con el apoyo de la música del propio Mahler.



Lunes 4, C18, 21.10
Miércoles 6, Pocitos, 17.20
LA EXTRAÑA. Alemania, 2010. Dir. Feo Aladag
Una joven de origen turco intenta llevar adelante su propia vida en Alemania, pero las tradiciones y el entorno son obstáculos serios. Drama con “atención social”, primer largo dirigido por Feo Aladag, mujer con una trayectoria interesante como actriz.



A quienes les gusta el director Tom Tywker, el mismo de "Corre Lola corre" aquí se presenta "Tres", donde un matrimonio cuarentón se enamora -cada uno por separado- del mismo tipo. "Drama agudo con toques de comedia", comenta Cinemateca.



Miércoles 6, C18, 17.35
Lunes 4, Pocitos, 19.30
HIJA DEL INVIERNO.Alemania/Polonia, 2011. Dir: Johannes Schmid.
Una niña alemana busca en Polonia a su padre pescador, con el que ha perdido contacto. Una anciana vivaz y vital la acompaña. Atípica road movie, entre la comedia, la aventura y tonalidades más serias.

DE LA MUESTRA DE CHRISTIAN PETZOLD (1960) -de quien vimos "Bárbara" y no nos gustó- dan:

Domingo 3, S2, 19.30
FANTASMAS. Alemania, 2005. 
Una mujer viaja todos los años a Berlìn ,en busca de su hija que desapareció a los tres años. Cierta vez cree descubrirla en una perturbada vagabunda. Una compleja trama de relaciones, donde nada es lo que parece y los propios personajes dudan de su identidad y de sus intenciones.

Sábado 2, S2, 19.30
YELLA. Alemania, 2007.
La protagonista vive abrumada por su violento marido, y cuando intenta que su existencia tenga un giro se produce un vuelco dramático. La ruptura implica también un tránsito entre el Este y el Oeste de Alemania.

Y la saga policial Dreileben.
Por más info, visitar la web de Cinemateca.

Reflexiones sobre el estado del cine en Uruguay desde la Cinemateca

Etiquetas: [Cinemateca Uruguaya]  
Fecha Publicación: 2014-08-01T19:58:00.000-03:00

Ayer empezó el 16º Festival de Invierno de Cinemateca.
Aún no hemos podido ver la programación. Pensamos ponernos mañana al día con eso. Pero leímos el editorial del boletín, y una vez más nos interesó compartir sus reflexiones.
Aquí va.

Se habla de “formación de espectadores”. Se discute cómo hacer para despertar esa curiosidad por el cine como acto creativo. Y, mientras se piensa lo ya pensado, desaparecen lenta e inexorablemente los cinéfilos, los críticos, dejando una obra escasa y casi ningún magisterio formal. Se dice de Uruguay, irónicamente o no, que es un país generoso. Y generoso es, sobre todo en su persistente desidia, en el descuidado derroche de lo que hubo en abundancia y hoy nadie parece notar que escasea. País sin referentes culturales, que se da el lujo de ignorar olímpicamente las trayectorias, donde se empieza, siempre, de cero, con la secreta esperanza deinventar la pólvora, que no la rueda.

En poco más de un año, murieron Ronald Melzer, Oribe Irigoyen y hacesólo unos días, Jaime Costa. Ejercieron la crítica con rigurosidad, discutieron con pasión, llevaron su amor por el cine a extremos inusuales.
La última vez que vimos a Jaime Costa fue en Cine Universitario. Nos reunimos a hablar de la difícil situación que atraviesan los cineclubes, el cineuruguayo, la crítica, los archivos fílmicos.
De esa reunión surgió un comunicado de prensa conjunto, de la Asociación de Críticos, Cinemateca Uruguaya y Cine Universitario urgiendo al Ministerio de Educación y Cultura a tomar acciones efectivas en defensa del cine nacional, el patrimonio audiovisual y la cultura cinematográfica en el Uruguay.
De parte del Ministerio, lo que se propone es lo que ya se venía gestando en conjunto con ASOPROD: el Compromiso Audiovisual, del que se espera mucho, pero con infinitas dudas de cuán “comprometedor” será el resultado del mismo para el próximo gobierno.
Mientras tanto, nuestros vecinos de Brasil anuncian que invertirán 542 millones de dólares en el sector audiovisual: Estamos hablando de un fondo de 1.200 millones de reales (alrededor de US$ 542 millones), sin duda el mayor programa de apoyo a la producción audiovisual que se implementará en Brasil. Es el mayor programa por el volumen de recursos pero sobre todo por el conjunto de iniciativas que abarca y porque involucra a toda la cadena productiva; desde la creación, el rodaje, la ampliación y modernización del exhibidor, pasando por la producción y la difusión y por el incentivo. Un programa de un tamaño compatible con el talento, la  creatividad de nuestros productores audiovisuales”, dijo la presidente de Brasil.
Cabe señalar, de paso, que Brasil concurrirá a las urnas en octubre de este año, lo que no le impide al gobierno implementar políticas que se continuarán luego de las elecciones, sea quien sea el próximo gobernante.
A eso le llaman “políticas de Estado”, mientras que en Uruguay las perspectivas son que si el próximo
gobierno efectivamente se compromete a lo que el sector audiovisual pretende y si invierte lo que se debe invertir, se comience a implementar en 2016 lo que debió  implementarse hace varios años, cuando no décadas. Pero ya nos parece estar oyendo “¡Ah, pero Brazil es un gigante comparado con Uruguay!”. Y sí, es 48 veces más grande en territorio, y 60 en población. Puede aplicarse la proporción que se quiera y la suma seguirá siendo muy  importante. Y esto es así porque la verdad es de Perogrullo: los Estados con políticas patrimoniales, culturales y productivas serias invierten fuertemente en proteger su cine y se comprometen con un programa que abarca todos los aspectos de la cadena, desdeel fomento a la producción hasta la preservación. Lo que es insostenible es que no exista compromiso  alguno, salvo en las esperanzas de un grupo de personas que se resignan a tener que explicar una y mil veces, por qué es necesario preservar el patrimonio audiovisual, garantizar que existan pantallas para el cine uruguayo e independiente, promocionar la existencia de un circuito alternativo de exhibición y distribución, formar espectadores, fomentar la producción, etc. Hoy día, el sector audiovisual se encuentra generando un programa sin tener garantía de que lo que surja de estas largas jornadas de discusión vaya a tener los fondos que lo vuelvan viable, entre otras cosas, porque, hasta ahora, el “compromiso” es puramente nominal.
Voluntad política, inversión y planificación, equivalen a compromiso.
El resto son vagas declaraciones de intención.
Hace un par de meses, Jaime Costa escribía en un mail: “Lo peor, no encuentro más que declaraciones de principios y ‘hay que hacer esto’ o ‘hay que hacer aquello’, pero nadie dice ‘vamos a hacerlo ya’. Sí, ya sé, siempre fue así, pero... ¿siempre lo será? ¿No es hora de cambiar? Yo, al menos, NO ME DOY POR VENCIDO.”
Y sí, en Uruguay la gente muere sin darse por vencida, las instituciones languidecen sin darse por vencidas y el cine en el Uruguay empieza a parecerse demasiado a un fundido a negro que amenaza con durar toda la eternidad.
Seriamente, ¿no es hora de cambiar?

Fuente: Boletín nº 478. Cinemateca Uruguaya

14 de julio. Recordando revoluciones

Etiquetas: [ingmar bergman]  [Recomendaciones para ver online]  
Fecha Publicación: 2014-07-15T16:33:00.003-03:00

por Adriana Nartallo

El 14 de julio es una fecha recordada por todos, marcada por la fabulosa significación que tuvo la toma de la Bastilla.
Pero más allá del hecho histórico y su significación, a los amantes del cine nos queda en la retina, en la emoción profunda, lo que el arte nos aporta como placer estético, como reflexión, muchas veces como referencia moral y principios de vida.

Fue así como en los años 80, a fines de la dictadura, Cinemateca nos abrió los ojos al mundo del cine y el teatro de Ariane Mnouchkine (fundadora del Teatro du Soleil) con sus maravillosas puestas en escena en los films “1789” y “Moliére”.
Pero para gente cinéfila como nosotros el 14 de julio también es una fecha para celebrar el nacimiento del quizás más imponente cineasta que haya dado la historia del cine.
Sí, claro. Los que nos conocen saben que nos referimos a Ingmar Bergman.



Y muchos nos preguntan. ¿Por qué es tan importante Bergman?
Y la respuesta es simple: porque es esencial.
Porque como nadie que hayamos conocido hasta ahora ha planteado los conflictos humanos universales, esos que le pasan a todo el mundo, en cualquier país, en cualquier época, de manera tan profunda y, por otro lado tan simple, tan en su estado puro.

Los temas de Bergman son la angustia existencial, el silencio, la ausencia de Dios o su presencia indeseada como, por ejemplo, una araña detrás de un vidrio oscuro; el infierno cotidiano al que se someten las parejas tras su aparente estabilidad; la incomunicación entre los seres y la locura; las conflictivas relaciones entre padres e hijos; la humillación del artista que necesita vender su arte para sobrevivir.

Muchos dicen que el cine de Bergman “es difícil”. Lo es, si se entiende por “difícil” a alguien que te habla en serio, sin eufemismos de temas profundos y complejos, que a veces cuestan asumir en nuestra vida personal. Pero las tramas que plantea son de una extrema simpleza.

Para referirme a Bergman citaré a otro nórdico, el danés Carl Dreyer*, definiendo la esencia del cine, que es lo que en verdad consiguió Bergman con sus films:
“La esencia más íntima del cine es una necesidad de verdad”; “Tenemos que utilizar la cámara para suprimir la cámara”.

Dreyer destacaba de las películas norteamericanas su aporte en tres elementos esenciales: el primer plano, la elaboración de los tipos de personaje y el realismo. Pero a esa verosimilitud, a esa credibilidad le faltaba algo: lo que le faltaba era el alma.  El “film de arte sueco” ha hecho suyas esas cualidades del cine norteamericano pero desechando sus defectos.
“”Las figuras que pueblan los mejores films suecos son tan vibrantes que casi podemos sentir su pulsación. Así, estas películas se han convertido en imperecederas, como los buenos libros a cuya lectura se entregan generaciones sucesivas…”


*Carl T. Dreyer. Reflexiones sobre mi oficio”. Ediciones Paidós, 1997.

Les dejamos aquí algunos links a algunos de los más indispensables films de Ingmar Bergman:



EL SÉPTIMO SELLO

FRESAS SALVAJES (CUANDO HUYE EL DÍA)

EL SILENCIO

PERSONA

VERGÜENZA

GRITOS Y SUSURROS



Recibimos y publicamos: 3ª Muestra de documentales sobre Derechos Humanos


Fecha Publicación: 2014-07-14T21:24:00.005-03:00


Programación:
DIA 1
Voto consular.
Dur: 3 min  
Comisión por el voto consular.
El derecho al voto. Distintas personas se manifiesta a favor del voto desde el exterior del país.

Cuando Liberarce se escribe con C.
Dur: 26 min  
Dirección, producción: Gonzalo Rodríguez Fábregas
Fotografía: Daniel Cheico
Música: Mauricio Ubal
Edición: Alejandro Castro
Uruguay, 1968. Líber Arce, es el primer estudiante asesinado en una manifestación universitaria. Desde ese día, el 14 de agosto se conmemora el día de los mártires estudiantiles en Uruguay.

Elecciones generales.
Dur: 40 min   
Direccion: Cesar De Ferrari
30 Aniversario del documental sobre las elecciones y la apertura democrática uruguaya en 1984.


Harald Edelstam: o nome da esperanza.
Dur: 30 min
Direccion, fotografía: Marco Villalobos
Produccion: Equipe editorial J-Famecos-PUCRS
Edicion: Adiana Cereser
Chile, 1973. Un sangriento golpe militar derriba el gobierno constitucional de Salvador Allende. Millares de personas son presas, torturadas, muertas. En medio del terror, el embajador sueco se levanta contra la injusticia. Mas fuerte que la diplomacia, la defensa de los derechos humanos prevalece y presenta la historia  de “Harald Edelstam, o nome da esperança”.


DIA 2
El amanecer del barrio.
Dur: 14 min
El trabajo de la nomenclatura de un barrio en Tacuarembó. El derecho a la identidad.

A 40 años del golpe.
Dur: 10 min. 
Dirección, Fotografía, Producción, sonido y edición: Paula Giacobasso, Camila Buksman, Sofia Canoura, Eugenia Antelo, Agustina Perez, Catalina Scorza, Juan Manuel Soumastre                                
A 40 años del Golpe de Estado es un audiovisual realizado por estudiantes de 4to año de liceo. Se trata de un recorrido por la historia de la dictadura desde la mirada analítica y creativa de los adolescentes que intentan comprender dicho proceso histórico

Decile a Mario que no vuelva.
Dur: 80 min 
Dirección, fotografía: Mario Handler
Producción: Karin Handler
Edicion: Florencia Handler,  Julio Gutierrez y M. Handler.
Entre 1973 y 1985 Uruguay sufrió la dictadura mas cruenta y discriminatoria de su historia. “Decile a Mario que no vuelva” se interna en las vicisitudes cotidianas en las certezas y en las dudas de alguno de los protagonistas de este enfrentamiento nacional.

Institucionales con el estilo de hachaytiza

Etiquetas: [adriana nartallo]  [contenidos de calidad]  [Daniel Amorín]  [documental]  [documental FUSIPPENTMSP]  [hachaytiza en rodaje]  
Fecha Publicación: 2014-06-17T17:02:00.001-03:00

donde el énfasis está puesto en la construcción de un relato audiovisual claro, entretenido y emotivo, que plasma los objetivos del cliente y el mensaje que éste quiere dar.

Aquí va un avance en fotogramas de uno de los documentales en los que estamos trabajando:
Fondo Uruguay Saludable e inclusivo - Proyecto de Prevención de Enfermedades no transmisibles del Ministerio de Salud Pública.

El rodaje se realizó en Bella Unión (Artigas), Cañas (Cerro Largo), Cerro del Arbolito (Tacuarembó), Ismael Cortinas (Flores)Corralón del Tigre (Florida), en el barrio Casabó (Montevideo), Porvenir (Paysandú), el Barrio Anglo en Fray Bentos (Río Negro) y La Paloma (Rocha), buscando conocer y difundir las experiencias las experiencias locales en promoción de salud. 


Cañas - Cerro Largo

Cerro del Arbolito - Tacuarembó
niños en taller de huerta orgánica, en Casabó


Madres de la escuela rural de Cerro del Arbolito constituyeron el grupo "Anacahuita" para la elaboración de dulces y conservas
Campaña "Por una Bella Unión 100% libre de humo de tabaco"

Actividades física y recreativa en Cañas 

Actividad de los agentes comunitarios en prevención en salud en la Policlínica de Corralón del Tigre

Taller de costura en el Barrio Anglo

Actividad física y recreativa en Ismael Cortinas

Jóvenes proponen actividades en La Paloma
Para ver más fotos y videos, seguinos a través de facebook: hytiza prods

Están abiertas las inscripciones para el FONA 2014

Etiquetas: [FONA]  [RECIBIMOS Y PUBLICAMOS CONVOCATORIAS]  
Fecha Publicación: 2014-06-09T00:04:00.002-03:00

Desde el 30 de mayo y hasta el 30 de junio a las 16hs, están disponibles bases e inscripciones para la edición FONA 2014.

En la categoría ficción el premio será de $ 2.400.000, y en la categoría documental de $ 1.200.000. Se premiarán dos proyectos en cada categoría.

La inscripción es online.

Ver más información y descargar bases en: FONA

Recibimos y publicamos: Llamado a Becas Justino Zavala Muniz 2014

Etiquetas: [Becas]  [RECIBIMOS Y PUBLICAMOS CONVOCATORIAS]  
Fecha Publicación: 2014-05-08T16:54:00.000-03:00

Del 2 al 30 de mayo se encuentran abiertas las inscripciones para acceder a las becas Justino Zavala Muniz, que tienen como fin estimular la creación artística en diversas disciplinas: letras, artes escénicas, artes visuales, audiovisual, danza y música.

La presentación está dirigida a tres niveles de artistas:
Nivel I: quienes acrediten una labor artística continua durante los últimos cinco años.
Nivel II: quienes acrediten una labor artística continua de más de cinco años.
Niecl III: quienes acrediten una labor artística continua en los últimos 20 años.

Más información y Bases en este link 

Recibimos y Publicamos: Cine club CCE - charla + película - Ciclo "Lo diferente no es peor"

Etiquetas: [producción y distribución alternativa]  [RECIBIMOS Y PUBLICAMOS]  
Fecha Publicación: 2014-05-05T12:51:00.000-03:00

El Centro Cultural de España junto al ICAU organizan una serie de charlas con proyección de películas todos los lunes de mayo, entre las 18 y las 20.30.
El hilo conductor de este ciclo es la producción y/o distribución alternativa.
La entrada es libre y gratuita.
Rincón 629 - Ciudad Vieja - Montevideo

Lunes 5
18hs. Conferencia: El circo de los festivales
El programador del Festival de Locarno, Gonzalo de Pedro, analiza el circuito alternativo de exhibición que se ha generado en los festivales ante la dificultad de acceder a las salas, tomadas por las grandes majors.

19 hs. Película:
Mapa, de León Siminiani.
España, 2012

Lunes 12
18 hs. Conferencia: Cine - La distribución multiplataforma
Gabriel Massa, de la distribuidora uruguaya Buencine, analiza el caso de la ópera prima del cineasta español Paco León, que estrenó simultáneamente en salas de cine, DVD, TV paga e internet.

19 hs. Película: exhibición del caso del que se expuso.
Se trata de "Carmina o revienta" de Paco León. España, 2012
"Un experimento que fue un éxito: rompió el ciclo comercial tradicional y se estrenó en todas las plataformas en simultáneo".



Lunes 19
18hs. Conferencia: El corto y su camino de exhibición.
Charla a cargo de Sergio Miranda, director del Festival de cortometrajes de La Pedrera, a través del análisis de un caso.

19 hs. 7 cortomerajes provenientes de Reino Unido, Irlanda, Yemen, suecia y Australia, aclamados por la crítica y premiados en festivales internacionales.

Lunes 26
18hs, Conferencia: El crowdfunding como vía de financiación.
Federico Lemosy Gonzalo Lamela cuentan su experiencia, siendo la 1ª película uruguaya financiada por esta vía.

19hs. Película. El cosmonauta, de Nicolás Alcalá (2013), financiada a través de 5000 personas a través del crowdfunding.

Crítica de cine de Daniel Amorín en la revista FIAT LUX: Kim ki duk o la tragedia en tres actos

Etiquetas: [crítica cinematográfica]  [Daniel Amorín]  [Fiat Lux]  [filmografía]  [Kim Ki Duk]  [Recomendaciones para ver online]  
Fecha Publicación: 2014-05-02T20:59:00.000-03:00

Compartimos con ustedes este nuevo artículo de Daniel Amorín publicado en la revista española Fiat Lux (Nº3). Junto a ella les dejamos la filmografía y algunos links a algunas de las películas del realizador surcoreano.


Kim Ki-duk o la tragedia en tres actos

A mi modo de ver, el coreano Kim Ki-duk y el austríaco Michael Haneke son los dos máximos exponentes del cine de autor de la actualidad.
Es frecuente leer que el cine de Kim presenta imágenes sorprendentes, poderosas, casi hipnóticas, a menudo de una violencia insoportable; que sus personajes hablan poco o no hablan, pertenecen generalmente a estratos bajos, son marginales o eligen serlo como único modo de resistir a un medio hostil, y encuentran en la violencia un vínculo amoroso; que sus historias tienen un ritmo lento, presentan una imprecisa frontera entre onirismo y realidad, emanan incomunicación, violencia y hasta truculencia salpicada por un humor tan inocente que resulta perverso, y gusta de finales oblicuos en los que irrumpe la parábola fantástica y simbólica.
Y todo es cierto.
El propio Kim ha dicho que “mis personajes no hablan porque son seres enfermos, heridos hasta la médula, incapaces de comunicarse”, “el mundo cotidiano está repleto de violencia y es la que a mí me interesa”, “intento hablar de cosas extremas que se unen como la suciedad y la pureza”, “somos seres tristes que viven en el sufrimiento”, “sin la moral del perdón no se puede vivir en la sociedad actual, todos somos responsables de los crímenes que pasan en el mundo”, y que “no es sino mirando atentamente algo sórdido que descubrimos su belleza”.
Y esa línea de pensamiento está reflejada en su personalísimo cine.

Pero no es de todo eso que me interesa hablar en este espacio, sino de un aspecto acaso desapercibido de su forma de narrar. Casi todas sus películas se estructuran como tragedias
en tres actos: humillación, venganza y culpa. Y son esos los motores de sus creaturas.
En efecto, los personajes de Kim sufren la humillación de un “afuera” infame, o se la auto infringen en un desesperado intento por ser aceptados por la sociedad; las atroces consecuencias de la humillación los conduce a la venganza, generalmente mediante violencia extrema; y, pasada la instancia de ira y venganza, sobreviene la culpa, que lleva a los personajes al suicidio, o al arrepentimiento mediante sádicos auto castigos, o a expiarla humillándose otra vez, con lo cual el círculo fatídico vuelve a comenzar.

Esta lógica atroz, fatal y por lo tanto previsible, puede resultar insoportable. Y en efecto lo es para el gran público. Es que una cosa es la violencia expuesta por el sádico placer de exponerla para divertimento de espectadores igualmente sádicos, y otra muy distinta la descripción lúcida y descarnada de una sociedad contemporánea en donde no existen relaciones de igual a igual, y esas diferencias de poder entre los hombres generan la tragedia en tríodescubierta por el surcoreano. Eso molesta.
Claro, alguien podría decir: vale, comprendo el mensaje, pero ¿cuántas pelis necesitas para decir siempre lo mismo?
Pues esa es parte de la gracia y tal vez por eso es que no se menciona la repetición sistemática de esta estructura en el cine de Kim. Sus películas son en general distintas entre sí, tratan temas diferentes, y a menudo nos sorprenden con nuevas ideas y enfoques. Cada película suya tiene cosas para decir. Lo notable es que debajo de esas historias y personajes diferentes, incluso actores y técnicos diferentes, puede verse discurrir siempre la misma tragedia en tres actos, a la que, según Kim y en los tiempos que corren, estamos todos condenados.
Pero hay otro aspecto aún más notable. A pesar de ese fatalismo, sus personajes encuentran a veces un modo de escapar a su destino. Es cuando las fronteras entre realidad y sueño se desvanecen, cuando el milagro del amor irrumpe bajo formas incomprensibles, o cuando un personaje consigue ser invisible para los demás.

Respecto a si es posible que un coreano toque nuestra sensibilidad occidental, el realizador afirma: “la sinceridad es universal, y si algo se hace con honestidad, la gente lo entiende”.

Y yo afirmo que hay pocos cineastas de los que pueda decirse que más que cineastas son una cinematografía. Kim Ki-duk es uno de ellos.

Filmografía de Kim Ki-duk y algunos links:
1996. Cocodrilos
1997. Animales salvajes
1998. La posada de la jaula de los pájaros
2000. Ficción real
2000. La isla
2001. Domicilio desconocido
2001. Chico malo
2002. Guardia costera
2003. Primavera, verano, otoño, invierno y otra vez primavera
2004. Chica samaritana
2004. Hierro 3
2005. El arco
2006. Tiempo
2007. Aliento
2008. Sueño
2011. Arirang
2011. Amén
2012. Piedad
2013. Moebius

Recomendación para ver online: interesante film latinoamericano

Etiquetas: [Diego QuemadaDiez]  [La jaula de oro]  [Recomendaciones para ver online]  
Fecha Publicación: 2014-04-27T13:53:00.001-03:00

Se trata de "La jaula de oro", la película con la que abrió el 32º Festival Internacional Cinematográfico del Uruguay, organizado por Cinemateca Uruguaya.
Se trata de la ópera prima del mexicano Diego Quemada Diez.
La trama va de tres adolescentes guatemaltecos, casi niños, que emprenden el camino de tantos de cruzar la frontera mexicana hacia EEUU buscando un futuro mejor.
Sobre este argumento se han realizado varios films pero el interés de éste radica -no en la expectativa acerca del final del viaje- sino en la sensible relación que el director establece entre sus personajes, y entre éstos y el espectador.
Excelente trabajo de los actores; entrañable el personaje de la gurisa y gran sensibilidad desde el guión en la elección de las distintas situaciones que estos casi niños les toca padecer.


Este festival, con este film y también con Volantín cortao de Chile, nos devuelve la esperanza de un cine latinoamericano comprometido, bien contado y auténtico, que no se somete a las recetas de la industria norteamericana o al standard pasteurizado para ser aceptado en el comercio mundial.
Ojalá sigan en ese camino.

Haciendo click en este link podrán ver y/o descargar la película LA JAULA DE ORO
Nuestra calificación: 7

La selección de hachaytiza. 32º Festival internacional. Último día. Las que quedan para la 1ª semana del año...

Etiquetas: [32 Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay]  [En la casa]  [François Ozon]  [ingmar bergman]  [Liv e Ingmar]  [los premios del 32º festival]  [Los sucios]  
Fecha Publicación: 2014-04-20T11:32:00.000-03:00

Hoy, domingo 20, imperdible a las 22 en Sala Cinemateca: LIV E INGMAR
Dir: Dbereraj Akolkar.
Noruega, India, Reino Unido, 2012.



La relación de director y actriz rememorada por esta última, en un documental que recorre sus avatares artísticos y amorosos a lo largo de 42 años. Obviamente hay mucho material de archivo.

Por otra parte, en Cinemateca 18 exhibirán las películas premiadas por el Festival.

17.30 . Nuevos realizadores
"Volantín cortao". Chile, 2013. dir: Diego Ayala y Aníbal Jofre
Mención para "Raíz" de Matías Rojas (Chile, 2013)


19.30 -  Mejor película iberoamericana:
"Costa da Morte". España, 2013. Dir: Lois Patiño
Mención para "Escuela de sordos"de Ada Frontini (Argentina, 2013)

21.30 - Mejor película - competencia internacional:
"El desconocido del lago". Francia, 2013. Dir Alain Guiraudie

El premio Competencia de cine de DDHH: "Nadea y Sveta" de Maura Delpero (Italia, 2013)

El jurado joven otorgó una mención a "Vic y Flo vieron un oso", de Denis Coté (Canadá, 2013); y el premio a mejor largo a "Papusza" de Joanna Kos Krauze y Krzysztof Krauze (Polonia, 2013)

El jurado FRIPESCI otorgó una mención a "Los insólitos peces gato" de Claudia Sainte-Luce )México, 2013), "El miedo" de Jordi Cadena (España, 2013) y premios a "Papusza" y "Costa da morte".

El jurado SIGNIS, por su parte, y la votación del público otorgaron el premio a "Papusza".

Para el resto de la semana recomendamos:
- Martes 22 a las 20.40 en Sala Cinemateca: La película iraní 
(el comentario de ésta y otras lo encuentran en entradas anteriores)

Miércoles 23 a las 21.10 en C18, tenemos marcada para ver LOS SUCIOS de Matt Johnson
EE.UU / Canadá, 2013
Dos adolescentes cinéfilos, que dedican su tiempo libre a filmar películas amateurs sufren bullying liceal, y su idea es filmar una película de venganza, en la que tomarían revancha de todos los abusadores. Según el comentario de Cinemateca, se trata de una "hilarante trama plasmándose en un final impactante y revelador, que deja, pese al tono jovial, un retrogusto amargo".



Y en Cinemateca 18 también, a partir del jueves 24 y hasta el miércoles 30: EN LA CASA, de François Ozon. 


EN LA CASA. Francia, 2012. François Ozon. (6)

Simpático entretenimiento, diálogos interesantes y buenas actuaciones en un juego -la recreación del acto de crear una ficción que funciona, con un profesor de secundaria y un alumno como protagonistas de la trama.


El acto de matar. Una película imprescindible; una experiencia única, quizás irrepetible.

Etiquetas: [32 Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay]  [Daniel Amorín]  [documental]  [El acto de matar]  [Joshua Oppenheimer]  
Fecha Publicación: 2014-04-19T14:58:00.006-03:00

por Daniel Amorín

El artículo Un engendro anda suelto intenta dar luz acerca del género documental y su ética.
De acuerdo a lo que allí se dice, para un documentalista de raza acaso no haya un sueño mayor que obtener ante cámara revelaciones que él mismo desconocía, que surjan durante la propia filmación, y, ya en un paroxismo de sueño y utopía, que la realidad se transforme ante sus ojos (y el de su cámara), que algo cambie de golpe y que él esté allí para documentarlo en ese preciso instante.
Utopía digo, porque sabemos que las grandes revelaciones se producen off the record, que la maravilla aparece cuando la cámara se apaga.

Pues precisamente este paroxismo de “utopía documental” es la que le tocó en suerte a Joshua Oppenheimer, el realizador de “El acto de matar”.
Ver este documental significa vivir una experiencia única, irrepetible, descomunal.

Fotograma de "El acto de matar", de Joshua Oppenheimer
Entre 1965 y 1966 la dictadura indonesa asesinó entre un millón y dos millones y medio de personas, presuntamente comunistas. En 2012 el norteamericano radicado en Dinamarca
Oppenheimer, entabla relación con algunos de aquellos verdugos hoy septuagenarios u octogenarios, quienes no sólo no están arrepentidos o prefieren no hablar de sus ejecuciones, sino que se sienten orgullosos de haberlo hecho y desean narrarlo y hasta representarlo para que permanezca en la memoria de todos.
Oppenheimer no se topa con este milagro por azar o casualidad.

A lo largo de tres años, intenta infructuosamente hacer un documental convencional: narrar el genocidio a partir del testimonio de víctimas sobrevivientes. Pero las presiones para que la película no se realice son muchas y el proyecto se estanca. La idea genial se le ocurre a una de las víctimas: “lo que los ganadores no quieren es que nosotros contemos la historia, pero ellos estarán dispuestos a contarla, porque sienten orgullo de su obra”. Lo que quizá este indonesio no sospechó es cuán dispuestos estarían.
A esta altura cabe aclarar que esta idea es posible porque aún hoy en Indonesia estos gangsters y mercenarios son héroes nacionales, y la impunidad es tal que ni siquiera el vocablo aparece en su diccionario.

Oppenheimer no sólo conversa con mercenarios y mafiosos antiguos y actuales, no sólo le cuentan con lujo de detalle cómo torturaban y asesinaban, sino que son ellos los que quieren hacer su propia película, y Oppenheimer es el instrumento para que ellos den rienda suelta a su creatividad para contar su historia, creatividad que ya habían demostrado a la hora de encontrar soluciones pragmáticas -como los nazis con el exterminio judío- para llevar a cabo semejante carnicería.

El corolario es una película dentro de otra: el documental de Oppenheimer, que obtiene los testimonios narrados por los propios verdugos y documenta el proceso de filmación de la otra película; y esta otra ficción que él mismo filma, siguiendo las directivas de los mercenarios y gangsters contando su propia historia.

El resultado es una película alucinante, con revelaciones de un cinismo y una ausencia de moral acaso nunca vistas, y con escenas propuestas por estos viejos héroes de guerra que llegan a parecer surrealistas.

Podría pensarse que esta mezcla de ficción y documental atentaría contra esa ética a la que me referí al principio. Todo lo contrario. Oppenheimer toma incluso la precaución de mostrar a sus entrevistados lo que está haciendo, y ellos aprueban delante de cámara sus más estremecedores testimonios y recreaciones. Y la forma en que Oppenheimer saca provecho de esta inverosímil realidad lo revela como un documentalista de raza, capaz, entre otras cosas, de comprender que en este caso y contra todo manual, hacer una ficción a pedido de parte interesada, termina siendo la mejor y más ética manera de hacer su documental.

Acaso algunas larguezas -más que comprensibles, dado lo fácil que resulta imaginar la cantidad de testimonios y escenas fascinantes que habrán sido descartadas en la sala de montaje- pueden impedir catalogar a esta película de obra maestra. Pero sin dudas es una película 10, excelente.

Y lo es, además, porque Oppenheimer no se conforma con todo lo descrito, sino que también consigue un milagro por demás infrecuente: que su protagonista, asesino profesional, sufra ante cámara una transformación tan impensada como inolvidable. Pero para saber de qué se trata, hay que ver la película.
Aquí el link: El acto de matar

Un engendro anda suelto.

Etiquetas: [Daniel Amorín]  [documental]  [el docudrama]  [opinión]  [reseña acerca del género documental]  [Robert Flaherty]  
Fecha Publicación: 2014-04-19T14:51:00.000-03:00

por Daniel Amorín

Durante décadas las películas que hemos visto han sido casi exclusivamente películas de ficción; esto es, películas en las que se cuenta una historia a partir de un guión y mediante actores que dan vida a sus personajes.

Aún hoy, “ver una película” es, en lo concreto, ver una película de ficción. Si vemos un dibujo animado o un documental o incluso una ficción pero breve (cortometraje), no decimos que vemos una película, sino que la nombramos de acuerdo a su género o su duración.

Tan así es la influencia que ha tenido en nuestras costumbres el rey de los géneros del cine.

En los últimos años, sin embargo, digamos veinte años, el género documental ha ganado y gana cada vez más terreno.
Treinta años atrás, ningún cine exhibía documentales. Y en la televisión los documentales eran prácticamente sinónimo de películas de bichos: National Geographic, Jacques Cousteau, etc.

Sin embargo, el documental existe desde los inicios del cine, incluso antes que la ficción. 
Las primeras películas de la historia fueron registros documentales de obreros saliendo de las fábricas, mujeres tejiendo, etcétera. Pero apenas Meliès se puso a contar historias fabulosas quedó claro el triunfo inminente de la ficción.

A lo largo del siglo XX han habido grandes documentalistas, la mayoría de ellos conscientes de que, para que sus materiales fuesen interesantes para espectadores acostumbrados a la ficción, era necesario seducirlos mediante relatos interesantes. Uno de los más destacados del período mudo fue Robert Flaherty, quien construyó sus narraciones con gran sentido dramático, a partir de filmaciones muy cuidadas y un montaje inteligente y sensible. Es que al fin y al cabo, sea ficción, documental o animación, de eso se trata todo, de contar una buena historia.

Esos grandes documentalistas que contribuyeron no sólo al género sino a la historia del cine y fundamentalmente a la sensibilización y formación de públicos de todo el mundo, se caracterizaron por la fidelidad a un axioma no escrito que reza así: jamás recrees nada.
Recrear, poner a un personaje real a representarsu propia vida ante la cámara como si se tratara de un actor profesional que da vida a un personaje ficticio, significa, para el auténtico documentalista, de ayer y de hoy, cruzar la raya, cambiar de género.


No se trata de un corsé mental sino de un concepto más profundo.

Al contrario que cuando se hace una película de ficción sobre una historia original, en la que el único compromiso del autor es consigo mismo, el género documental exige al autor la toma de decisiones que involucran a la ética en forma determinante. Documentar un hecho, una situación, o la actividad de una persona, significa filmar la realidad, abordarla con la mayor veracidad posible. Y para ello el documentalista se auto impone un conjunto de restricciones que pueden abreviarse en una fundamental: no incidir en los hechos ni en las situaciones ni en las personas que filmamos. Por supuesto, salvo en los casos de cámaras ocultas, la mera presencia del equipo de filmación supone una intervención. Pero el documentalista consciente de ello, intenta que esa intervención se reduzca a la mínima expresión. Y, en muchos casos, pone en evidencia ante cámara su propia intervención, precisamente para que su material sea veraz.

Vale la pena aclarar que siempre hablamos de veracidad y de compromiso con la realidad; no de objetividad, vocablo vacío de contenido. La objetividad como tal no existe. Un documentalista, como cualquier otro narrador, tiene sobre su material un punto de vista propio, personal, y toma un conjunto de decisiones durante el rodaje y sobre todo en la fértil etapa de montaje, que hacen que lo que haya documentado se presente de acuerdo a su modo de ver la realidad. Su ética lo lleva a preocuparse por no manipular la realidad, pero no a ocultar su modo de ver el mundo. Si intentara hacerlo no sólo fracasaría porque es imposible, sino que el resultado que obtendría sería híbrido, fútil y anodino.

Pero como decía antes, en los últimos años el documental se ha puesto de moda. Siempre existen una multiplicidad de factores para todo, pero creo yo que el factor determinante ha sido la irrupción de la televisión por abonados, con sus centenares de canales, necesitados de llenar una desmedida cantidad de horas de programación. No hay ninguna industria capaz de producir tantas películas y series de ficción como sería deseable, entonces hay que llenar programación con documentales que se realizan con menos dinero y menos tiempo de producción. Y por ello es que ahora, en canales que tradicionalmente emitían exclusivamente películas de ficción, vemos también películas documentales.

Lo cual no tendría nada de malo, por cierto, si no fuera porque quienes dominan la industria son, como sabemos, gente que sólo sabe de dinero, y los conceptos de arte o ética les son por completo indiferentes. Estos hombres de negocio, entonces, conocedores del gusto del público por la ficción, no conciben el documental como lo he descrito antes. Y así, tal como el Dr. Frankenstein, han hecho nacer el terrible engendro: el docudrama.

Si alguno de mis lectores no sabe de lo que hablo, le recomiendo encender ya mismo History Channel, para admirar un ejemplo cualquiera de esta aberración que recrea a su antojo hechos del pasado, resucita muertos ilustres, transforma mitos en fantasmas vivientes, y una larga lista de ocurrencias fenomenales que representan exactamente lo opuesto al documental.

Como ya dije, estos engendros existen desde hace décadas, pero ahora, ante la modadel documental, aparecen no sólo en History Channel, sino también en cines, internet, y hasta en festivales de… ¡documentales! Y ya hay una generación de realizadores que procrean este tipo de criaturas convencidos de ser documentalistas. Y, por supuesto, hay periodistas “especializados” que hablan o escriben acerca de estos adefesios o hasta de ficciones puras que simplemente narran la vida de una personalidad del pasado como se ha hecho tantas veces a lo largo de la historia del cine, y las denominan “documentales”.

Pero lo peor no es eso. Lo peor es que el espectador consume estos engendros como si fueran reales (piensan, “son documentales, no ficción”, o sea, son “reales, no de mentira”). Y dentro de muy poco, pero de veras muy poco -y no se trata de ninguna profecía apocalíptica- veremos “documentales” que nos contarán que los nazis fueron derrotados exclusivamente por EEUU e Inglaterra, o que la bomba atómica en Hiroshima la lanzó un comando árabe (y la de Nagasaki no se la atribuirán a nadie porque ya nadie recordará que alguna vez se lanzó una bomba atómica allí).


Como dije antes, el engendro fue creado hace mucho. Pero ahora anda suelto y casi nadie lo reconoce como tal, porque le cambiaron de nombre. Así que a quienes todavía no hayan sido irremediablemente asimilados: ¡alerta!

La selección de hachaytiza. 32º Festival cinematográfico del Uruguay. Las películas para la semana.

Etiquetas: [32 Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay]  [Cinemateca Uruguaya]  [Edward Hopper]  [Samuel Beckett]  [Shirley]  [Slavoj Zizek]  
Fecha Publicación: 2014-04-14T13:21:00.001-03:00

LUNES 14
Hoy, a las 17 hs en Cinemateca 18 vamos a ver:
SHIRLEY. VISIONES DE LA REALIDAD
Austria, 2013. Dir: Gustav Deutsch
Un homenaje al pintor y grabador estadounidense Edward Hopper (1882-1967).



El comentario del boletín dice "Pintura, teatro y cine se funden en un experimento extraordinario, elocuente sobre el devenir del teatro y la literatura, la filosofía y el compromiso socio-político". Las imágenes del trailer, muestran un planteo por demás interesante.



Desde el punto de vista plástico, la película es una belleza, una película 10, perfecta. Pero falla en el relato, pobre y que de hecho, nos aburrió.
Nuestra calificación: 3

MARTES 15
17.30 hs. SALA CINEMATECA
ENCUENTROS CON UN JOVEN POETA
Canadá, 2014. Dir: Rudy Barichello
El poeta es nada menos que Samuel Beckett.


Nos decepcionó.
Muy pretenciosa pero que no pasa de la superficie de su bello envoltorio. Nuestra calificación: 2

19.30 - SALA CINEMATECA
LA PELÍCULA IRANÍ
Marruecos, Holanda, Egipto, 2014. Yassine El Idrissi
Ópera prima de estudiante tunecino de cine en Holanda, sobre el cine iraní.

Muy recomendable esta película donde seguramente todo realizador de cine pobre se sentirá identificado. Nuestra calificación: 6

MIÉRCOLES 16
En CINEMATECA 18
19.10 hs.
LEVIATÁN
EEUU, Reino Unido, Francia, 2012. Dir: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
"En altamar, a bordo de un barco pesquero que faena en el Atlántico norte, minicámaras deportivas son colocadas en diversos lugares (el lomo de una gaviota, el cuerpo de un pez, el casco de un marinero) captando atmósferas, texturas y puntos de vista imposibles. Una aproximación impresionista y alucinante a la intervención del hombre en un entorno natural".



Se trata de un registro inusual de las actividades de un pesquero en alta mar, a través del uso de las cámaras para surf en los lugares más insospechados, captando imágenes únicas, pero con una carencia absoluta de relato, lo cual atenta por completo con la disposición a verla. Como ha dicho alguien por ahí, se ve que los directores no conocen la elipsis...
Nuestra calificación: 3

La repiten el martes 22 a las 17.30
21.15
GUÍA IDEOLÓGICA PARA PERVERTIDOS
Irlanda, Reino Unido, 2012. Sophie Fiennes
Con el filósofo esloveno Slavoj Zizek

Una visión muy inteligente del mundo en que vivimos, muy interesante, a pesar de que su narrador (o la directora Fiennes a través del guión) no tenga la capacidad de un Carl Sagan o de un historiador como James Burke (Relaciones) para que uno pueda ir no sólo comprendiendo sino hilando la línea de pensamiento que nos propone. Una lástima porque sino la película sería excelente. ASí y todo es recomendable.
Nuestra calificación: 4



Interesante opción, pero no se puede ver todo:

En Sala Cinemateca a las 19.20 hs
RAÍZ
Chile, 2013. Dir: Matías Rojas
"Al morir su empleada doméstica, la protagonista acompaña al hijo de la difunta en pos de su padre. Una recorrida por Chile que es también un viaje de descubrimiento. Un film estudiantil que revela una madurez inusual y una solvencia dramática  que lo llevó a su estreno en el FEstival de Cine de San Sebastián."

JUEVES 17
SALA CINEMATECA
17.00 hs
EL ACTO DE MATAR
Dinamarca, Noruega, Reino Unido, 2012. Dir: Joshua Oppenheimer
De los documentales más interesantes y quizás polémicos del Festival.
Estremecedora evocación del genocidio indonesio posterior a la caída del régimen de Sukarno, con los verdugos recreando los horrores de esa masacre.



La repiten el viernes 18 a las 21.20 hs en Cinemateca 18.

Nuestra calificación: 10
Ver el comentario

20 hs
VOY A CAMBIAR MI NOMBRE
Armenia, 2013. Dir:María Saakyan
Adolescencia, madre ausente, carencia de referentes y el único vínculo -la tecnología con su celular, notebook, internet- en una comunidad de suicidas.



Aunque interesante en principio, la directora parece más preocupada por el envase estético que por sus personajes. Y ciertas "casualidades" y resoluciones resultan confusas, sino caprichosas. Nuestra calificación: 3

VIERNES 18
Hay que elegir:

Una opción es ver en Cinemateca 18 TRAS LA PUERTA de István Szabó, Un cineasta famoso que viene siendo irregular y nos soplaron que ésta es mala... o ELIZA LYNCH, REINA DE PARAGUAY, en Cinemateca Pocitos a las 17.30 hs.

ELIZA LYNCH: REINA DE PARAGUAY
Irlanda, 2013. Alan Gilsenan
Un documental sobre una figura polémica, irlandesa amante de Francisco Solano López, que fuera satanizada y que la historia posterior ha intentado rescatar, en un período trágico de la historia latinoamericana: la guerra de la Triple alianza.

Lamentable este mal llamado documental sobre un personaje que se intenta rescatar del olvido, y uno al terminar de ver la película se pregunta por qué. Docudrama hecho por encargo, vaya uno a saber por qué intereses de Irlanda y Paraguay, en un material para el olvido, que no aporta absolutamente nada a la historia de la guerra de la Triple Alianza, pero sí se encarga de omitir toda referencia a la influencia inglesa en el conflicto. Nuestra calificación: 0

32º Festival cinematográfico internacional del Uruguay. Las películas para ver el fin de semana

Etiquetas: [32 Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay]  [Cinemateca Uruguaya]  [Lino Micciché]  [Los días con él]  [Volantín cortao]  
Fecha Publicación: 2014-04-12T12:29:00.003-03:00

Sábado 12 - Cinemateca 18 a las 18 hs
VOLANTÍN CORTAO. Chile, 2013
Parece un film no políticamente correcto. Una asistente social que trabaja para la reinserción social de menores se hace amiiga de un menor de 16 años, lo que induce a dudas en su decisión de vida.

Ver trailer aquí: https://www.youtube.com/watch?v=cl5tzo6WE9U

Ojalá se entienda por imagen porque tampoco tiene subtítulos en español.

La vimos, y pese al problema de la falta de subtítulos igual vale la pena verla. Muy interesante y políticamente incorrrecta. Algo extremadamente inusual en el cine social latinoamericano.
Nuestra calificación: 6

Domingo 13
Hay que elegir: La duda es si ver el documental sobre el cineasta Claude Goretta del también suizo Lionel Baier o LINO MICCICHÉ. MI PADRE, UNA VISIÓN DEL MUNDO.

Nos jugamos a la peculiaridad del día: ver dos documentales donde los hijos -cineastas- realizan una película sobre sus padres.
Francisco Micciché nos hace conocer a su padre Lino, crítico cinematográfico, historiador, documentalista y fundador del festivalde Pesaro, de la semana de la crítica en Venecia, del festival de Trieste,etc. Es decir, un protagonista de todo un período en la historia del cine.
Va hoy a las 18.40 en Sala Cinemateca.

Un documental correcto -pero no más que eso- que cumple con su cometido: dar a conocer a su padre. Nuestra calificación: 5

Y a las 22hs en Sala 2, "LOS DÍAS CON ÉL" de María Clara Escobar (Brasil, Portugal. 2013) que explora su pasado y la historia reciente de Brasil a través de la figura de su padre, intelectual comunista preso y torturado por la dictadura de los sesenta.

Interesante y jugada propuesta la de la cineasta Escobar al hacernos partícipes del proceso de creación de este documental sobre su padre. Se trata -estricta y rigurosamente- de compartir sus días con él, dejando en "in" las discusiones con su padre, lo que podría o no ir en la película, y hasta el sentido que tiene hacer o no un film sobre uno u otro.
Pese a que compartimos básicamente los elementos interesantes que tiene el film, nuestra calificación fue dividida: Daniel le otorgó un 7 y Adriana un 4.

Ver trailer de LINO MICCHICHÉ: https://www.youtube.com/watch?v=_7r65xdA4N0
Fragmento de "LOS DÍAS CON ÉL": https://www.youtube.com/watch?v=1faduYaDb6E

La selección de hachaytiza. 32º Festival cinematográfico internacional. Viernes 11 de abril.

Etiquetas: [32 Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay]  [Diego QuemadaDiez]  [Estrella fugaz]  [La jaula de oro]  [Las niñas Quispe]  [Lluis Miñarro]  [Papusza]  
Fecha Publicación: 2014-04-11T15:00:00.001-03:00

Los comentarios en el boletín mejoraron su calidad de escritura. Ahora bien, ¿cómo hacemos cuando se inventa tanta cosa a la hora de recomendar un film? Si la primera película que elegís para ver tiene tan poco que ver con la recomendación, ¿cómo seguimos para el resto del festival? 
Evidentemente buceando en el ciberespacio, buscando información en otras fuentes. Pero está mal, no debería pasar.
Esto nos pasó con "Estrella fugaz", un disparatario catalán que recibió apoyos financieros españoles para hacerla posible.
Nuestra calificación es una auténtica "pena de muerte" (0), una película que no debería haber existido.
En verdad, y siendo rigurosos, ni siquiera se trata de un largometraje de ficción y es inexplicable por qué integra la competencia de largometrajes iberoamericanos cuando se trata de un telefilm en dos capítulos supuestamente acerca de un personaje histórico sobre el que el engendro nada aporta.
Lamentable.
Vale la pena recordar el nombre del director para no recaer: Lluis Miñarro.

"La jaula de oro", película con que abrió el festival y no defraudó, es un film muy interesante -ópera prima del director mexicano Diego Quemada Diez- a quien habrá que atender.

El aporte no está en el tema que en principio uno tiene como ya visto -los inmigrantes que intentan pasar la frontera de México a EEUU- sino en la relación que el director establece entre sus personajes y entre éstos y el espectador, en un viaje del que no importa conocer su final.
Nuestra calificación: 7

La programación de hoy:
 VIERNES 11
Cinemateca 18
17 hs. PAPUSZA. Polonia, 2013. Dir: Joanna Kos Krause  y Krzysztof Krause
Sobre una escritora de raíz gitana que describió la vida de su cultura y la magnitud del sufrimiento de su pueblo durante la 2ª guerra mundial.



El trailer muestra un lindo blanco y negro.




Encontramos una buena crítica en la web: http://www.elantepenultimomohicano.com/2013/07/papusza-critica.html


Impresionante la descripción de las costumbres y códigos del pueblo gitano, muy lejos del pintoresquismo al que nos tenía acostumbrados Kusturica; y por otro lado dando a conocer a un personaje histórico -la escritora Papusza- que sufre su doble carácter de ser mujer y letrada: algo bastante complejo y peligroso que tuvo un costo altísimo para su vida.
Nuestra calificación: 6

Después nos quedamos a ver LAS NIÑAS QUISPE. Chile, Francia, Argentina. 2013. Dir: Sebastián Sepúlveda. (3)
Tres hermanas sobreviven como pueden en la áspera vida del altiplano con sus cabras, cada vez más solas ya que la gente del lugar malvende sus animales y se va de una región en la que es muy difícil vivir. Es que es una forma de vida que está en extinción y ellas lo saben.
El tema es interesantísimo aunque nos resultó sumamente desaprovechado.
Inentendibles nos resultaron las elecciones de los encuadres que escamotean información elemental sobre la vida de esos personajes, y lo peor -está genial respetar el modo de hablar de la gente del lugar pero, ¡por favor, traduzcan al español!